Nos vamos de vacaciones

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Figuras de la pintura clásica en el siglo XXI

¿Cómo se verían los dioses y los personajes de la antigüedad si se los representara en el mundo moderno? Alexey Kondakov, un artista de Kiev, Ucrania, creó una serie de imágenes en photoshop que responden este interrogante.

Su serie de "2 realidades" ubica pinturas clásicas en sitios comunes en nuestra vida cotidiana, ya sea el metro, aquella carretera descuidada o en locales de comida. Es interesante considerar como cambian nuestras impresiones de aquellos personajes cuando se les otorga un nuevo contexto. Tal vez se vean elegantes o solemnes en una pintura en un museo, pero al ser superpuestos en partes reconocibles de la vida moderno, algunos parecen vulgares borrachos o fiesteros.

¡Mierda!

Precio récord de la obra "Mierda de artista": 275.00 euros en una subasta de Milán. El tiempo ha dado la razón al artista Manzoni con su provocación: en la sociedad de consumo todo puede pasar por arte y ser vendido.

FUENTE: Diario ABC

En la sociedad de consumo todo puede pasar por arte incluso ser vendido a un precio excelente y a veces desorbitado hasta alcanzar récord. Incluso la caca puede ser vendida a precio de oro. Así se ha demostrado en la casa de subastas Il Ponte de Milán, de artistas modernos y contemporáneos, donde la célebre obra «Mierda de artista», del italiano Piero Manzoni (1933-1962), artista conceptual irónico, partió a un precio base de 80.000 euros y alcanzó todo un récord: 275.000 euros.

Con su provocación tuvo la visión de lo que supondría el consumismo en el mercado del arte. El artista realizó la obras más extrañas y con los materiales más disparatados: Llegó a firmar su zapato derecho y lo declaró obra de arte. Su "obra cumbre" llegó al firmar noventa latas de metal, de 5 cm de alto y un diámetro de 6,5 cm, pesando cada una 30 gramos, con la etiqueta "Mierda de artista. Conservada al natural en mayo 1961", en cuatro idiomas: Italiano, alemán, francés e inglés. Vendió cada lata al precio equivalente a la cotización que tenía el oro en el día.

No se ha sabido si las cajas contenían realmente lo declarado (verosímilmente, no), pero obviamente no es esto lo que mas cuenta. Importa las consecuencias de la provocación: Incluso la mierda puede ser vendida a peso de oro. Aunque, en verdad, la realidad ha superado incluso sus previsiones: Lo demuestra el precio adquirido por una de sus "preciosas" latas: El ejemplar número 69, de las noventa que firmó, se vendió en la subasta de Milan por 275.000 euros, un precio récord en las "cacas manzonianas".

Ver también:

El artista ante la sociedad y el mercado

Promesa incumplida

Nota de la redacción:

Para el 30 de noviembre tenía programado una nueva entrega de "Los 10 mejores pintores realistas...", en esta oportunidad le correspondía a Francia. Curiosamente no encontramos la cantidad suficiente para completar la entrega. Por lo tanto, pedimos ayuda a todos los amigos que aman el realismo. 
Aunque tarde, se trata de cumplir con lo prometido.
 Gracias.

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José Pedro Godoy expone en el Museo de Bellas Artes de Santiago de Chile

El pintor de 30 años, uno de los artistas mejor cotizados de la escena local, exhibe por primera vez en la pinacoteca nacional. Desde el 6 de diciembre mostrará cerca de 50 cuadros recientes, que revelan sus referencias al arte clásico, pero también su obsesión con la cultura pop: el animé, las teleseries, la publicidad y sobre todo, el cuerpo masculino.

Por Denisse Espinoza

José Pedro Godoy (1985) repite varias veces la palabra seducción en esta entrevista. No sólo al referirse a la atracción que quiere provocar en quienes contemplan sus cuadros, sino también en la propia fascinación que siente con el ejercicio de crear una obra. Desde los 20 años está dedicado exclusivamente a pintar, y reconoce que no sabría hacer otra cosa. “Nunca he dejado de pintar más de dos semanas. La pintura me da orden, tranquilidad. Si no vengo al taller, me aburro”, dice.

Las curvas perfectas de Tetsuya Mishima

Poco y nada sabemos de Tetsuya Mishima. Esta pintora japonesa nacida en 1972 y graduada de la Escuela Central de Arte de Japón (Suponemos que en Tokio).

Desde 1995 ha realizado muchas exposiciones individuales en todo el país.

No sólo pinta desnudos, pero hemos hecho esta selección exclusiva por considerar que es con esta temática donde mejor expresa sus condiciones artísticas. Un academicismo a toda prueba y al servicio de la belleza femenina. El realismo del siglo XXI se ha globalizado y en especial ha anidado en Oriente, desde dónde surgen sus mejores exponente. Lo que nació en Occidente, en China y Japón se ha perfeccionado.

Ver además:

"El culo también puede ser una obra de arte"

"China conquista a Occidente"

Como si no bastara con arteBA, ahora llega arteBa Focus

Un total de treinta galerías y 80 artistas argentinos participarán el 12 y 13 de noviembre, de la primera edición de arteBA Focus, en el Distrito de las Artes, al sur de la ciudad de Buenos Aires.

El Arte Contemporáneo no se rinde, al contrario, redobla la apuesta. El papelón vivido en mayo de este año no los intimidó y seis meses después reagrupan sus fuerzas y se lanzan de nuevo a la conquista del mercado del arte. Todo sea por ganar unos pesos...

Galerías, artistas y un galpón en La Boca: llega arteBa Focus, una nueva feria de arte.

En una entrevista concedida a la agencia de noticias Télam, Alec Oxenford, Florencia Battiti y Mariana Rodríguez Iglesias explicaron el proyecto. Ellas han tenido a su cargo la curaduría de esta feria. Aclararon que se invitó a participar a todas las galerías argentinas que estuvieron presentes en la última edición de arteBA en La Rural, tanto de la sección principal como del Barrio Joven.

"Es una feria bastante sui generis", reconoce Alec Oxenford, presidente de Fundación arteBA durante un desayuno con la prensa en Palermo. "Somos pioneros en este tipo de layout (disposición)", aclara el empresario sobre el formato diseñado sin stands, sin paredes y sin el típico escritorio donde se ubican los galeristas, algo que al principio desconcertó a más de uno, confiesan.

Arenas Studios, un inmenso galpón sobre la avenida Pedro de Mendoza 965, en La Boca, que funcionaba antiguamente como fábrica embolsadora y productora de arena, fue el escenario elegido para desplegar este evento que busca sumarse a la oferta cultural de la ciudad, pero principalmente dar muestras de apoyo a la iniciativa gubernamental de establecer un Distrito de las Artes al sur de la Ciudad de Buenos Aires.

Nos llama la atención que la obra clásica de Elba Bairón (arriba) convalide esta Feria. Al igual que la obra de Daniel Basso o Diego Figueroa.

La feria, realizada en colaboración con el Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires, abrirá sus puertas al público el sábado 12 y el domingo 13 de noviembre de 12 a 20, en Arenas Studios (Avenida Pedro de Mendoza 965, La Boca, CABA). El valor de la entrada es de $100.

Ampliaremos...

Nicolás Radic y sus "modelos poco atractivos"

Nicolás Radic es un pintor chileno que inaugura en Santiago de Chile. El diario La Tercera le realizó esta entrevista que reproducimos.

Estudio de materiales es la muestra individual del artista, que se inaugura el 16 de noviembre en la Galería XS. El artista de 32 años, lleva una década pintando bolsas, aluminio o chatarra: objetos que para otros son basura.

Entrevista de Constanza Troncoso - Diario La Tercera

Chatarra: autos, refrigeradores, cocinas, fierro, plástico. Montañas de chatarra que se amontonan en cerros de más de 20 metros de alto, uno al lado de otro, en un universo colorido de desechos que parece interminable. En la fundición de fierro Gerdau Aza en la comuna de Renca, Nicolás Radic (32) se pasea como un arqueólogo buscando tesoros. “La gente al principio no entiende muy bien porqué estoy tan entusiasmado con su basura”, explica. Radic ha dedicado 10 años al estudio de materiales, a exponer elementos industriales brillantes- como el aluminio, el cobre o el plástico- a distintas condiciones de luz, para convertirlos a través de su pintura en objetos bellos, en modelos válidos para hacer arte. En su propio comedor, cuelga la imagen de una bolsa plástica azul de casi dos metros de alto. “De a poco también los demás se entusiasman y empiezan a mostrarme cosas: “¿Y esta? ¿No te tinca?”, le preguntan.
Una chatarra de cuatro colores, con un morado brillante al centro, centellea en la cima de una de las montañas. Radic la vislumbra a lo lejos, contempla la idea de trepar hasta ella, pero la descarta imaginándose aplastado por un cerro de basura. Uno de los trabajadores de la fundición que lo observa hace señas para que se acerque la grúa, que alcanza el elemento y lo deposita justo al lado del pintor: “La chatarra se transforma en pintura y la pintura se expone en una galería o en un museo; algo que iba a desaparecer, queda registrado para siempre. A eso yo le llamo rescate”.

"Me interesa generar una nueva iconografía: rescatar cosas que han sido abandonadas y traerlas de vuelta, presentar el material en sí mismo y generar una nueva forma de verlo", expresa.

En su taller se agolpan decenas de cuadros que retratan todo tipo de motivos: plástico de burbujas, una lámina de cobre, varios aluminios, carteles, bolsas, cobertores de camiones y empaques. En pocos días inaugurará su primera muestra individual, titulada Estudio de Materiales, en la Galería XS, en Vitacura, donde reunirá cerca de 30 cuadros: “Se trata de enfrentar todos los materiales con los que he trabajado los últimos 10 años, contraponerlos y generar un diálogo entre ellos”.

-¿Cómo partió la idea de pintar estos materiales que generalmente no parecen atractivos?

-Precisamente de eso trata la investigación. Encontrar modelos que no son atractivos, que no son motivos habituales de arte y meterlos dentro de la pintura realista. Me interesa generar una nueva iconografía: rescatar cosas que han sido abandonadas y traerlas de vuelta, presentar el material en sí mismo y generar una nueva forma de verlo.

-¿Se sintió incomprendido en un principio?

-Creo que mis motivos necesitan entenderse con un poco de tiempo, necesitan volver a mirarse, eso ha sido todo un tema en mi trabajo. También porque una cosa son las obras que la gente quiere ver en los museos y otra, las que quiere adquirir. Cuando piensas en un ambiente con el que convives a diario no es fácil ¿Podrías convivir con una bolsa de basura negra hiperrealista o con un papel aluminio gigante, arrugado y lleno de colores? Bueno, al principio cuesta.

-¿Qué trata de comunicar con estas pinturas?

-Me gusta descontextualizar los objetos, eso genera una extrañeza que los activa y que los hace anacrónicos. No tienen tiempo, no tienen espacio, no tienen funcionalidad. Te enfrentas a ellos solamente pensando en pintura. El arte latinoamericano en general es muy político entonces hacer algo que no sea político, que hable solamente de la pintura misma, genera tensión.

-¿Diría que su obra ha evolucionado en estos 10 años?

-Sí, bastante. Independiente de que hay estéticas parecidas, he sumado nuevos materiales y nuevos modelos, ese es un proceso que sí requiere una evolución, porque para poder pensar que la chatarra era un motivo válido había que pasar por el aluminio, por el plástico. No se llega a un nuevo material sin pasar por otro antes, sin entender el potencial de cada uno en la pintura. El ojo normal no puede ver todos los detalles, la textura que tiene, los colores. Hay una evolución en cuanto a aprender a mirar.

Junto con la exposición Estudio de Materiales, Radic lanzará un libro homónimo, en que recopila más de 100 pinturas y además una muestra de “lo que no se vio” detrás de sus cuadros, como las idas a la chatarrería y otros trabajos en terreno. La muestra permanecerá hasta el 12 de diciembre, luego el artista expondrá parte de su obra en la Feria de Arte Untitled en Miami.

PERÚ: 10 pintores realistas

El pintor de libertadores José Gil de Castro y el ilustrador Boris Vallejo podrían considerarse como en los extremos de la historia de las artes plásticas del Perú republicano, ambos muy diferentes y muy populares a la vez. Entre estos dos hitos se encuentra una gran cantidad de pintores y dibujantes que han mirado preferentemente el auténtico rostro del pueblo peruano al que han representado con gran maestría y dignidad.

Por Rubén Reveco - Licenciado en Artes Plásticas

El realismo peruano está atravesado por la temática indigenista abordada preferentemente con por eximios acuarelistas. Los artistas del siglo XXI que además de realismo realizan figuración, surrealismo e hiperrealismo, han encontrado en el Perú un suelo fértil, precedidos -tal vez- por los grandes exponentes del siglo XIX y XX.

Como siempre lo digo, toda selección es injusta y muchos buenos pintores han quedado afuera de ella, en algunos casos por tener poca obra, ser muy jóvenes o no estar vivos; esto último, requisito indispensable para esta publicación.

Francisco Laso (1823-1869) tal vez sea el pintor realista más importante del siglo XIX. Considerado, también,  como el padre el arte indigenista del Perú. 

Arriba, su obra más conocida: "Las tres razas", hacia 1859 (Museo de Arte de Lima).

“Hay que tener presente que los hombres de una generación no sólo luchan con la anterior, sino que se nutren de ella y toman lo que necesitan. No ha habido en nuestra Historia del Arte rupturas bruscas, como en el caso de las vanguardias europeas, sino relevos suaves, acordes, quizá, con el benigno clima limeño.”

(Alfonso Castrillón Vizcarra, museólogo y crítico de arte)

Facebook censura

Considerando que la popular red social ha infringido mis normas sobre lo que considero ético y moral y me ha bloqueado reiteradamente fotos y reproducciones artísticas, he decidido no publicar durante una semana.

Las censuras que he recibido han sido por supuestos reclamos de usuarios que se han quejado porque al David, de Miguel Angel se le ven los genitales o porque la Maja Desnuda, de Goya, no está vestida y eso los ofende.

Por lo expuesto -y antes que me cierren la cuenta definitivamente- bloqueo a Facebook por 7 días y la privo de toda la información que subo día a día en esta dirección o en Resistencia Realista Argentina, mi página de arte.

Sepan disculpar mis queridos amigos, los que me pueden seguir en: 

www.revistamachete.com.ar

http://loscomicsdemachete.blogspot.com.ar/

http://historiadeneuquen.blogspot.com.ar/ 

Mira este divertido video de El David

Alejandro Pasquale expone en Buenos Aires

Entre los sueños y las pesadillas: se exhiben los inquietantes niños enmascarados de Alejandro Pasquale.

"Universos paralelos" es el título de la exposición que el joven artista inauguró en la galería Quimera, de Buenos Aires, una breve pero contundente muestra de 13 pinturas en diversos formatos en los que las figuras protagonistas, en su mayoría niños y niñas, llevan máscaras o antifaces, como sumergidos en paisajes de ensueños, melancólicos y oníricos.

Por Mercedes Ezquiaga (Télam)

En esta serie de pinturas los rostros de los retratados se encuentran cubiertos por máscaras perfectamente geométricas, algunas blancas como las nubes, otras que mutan hacia paisajes iridiscentes y hojitas que bisbisean, de claroscuros epifánicos y cielo abiertos. Es imposible saber qué gestos tienen estas figuras, cuál es su estado de ánimo, ni a qué época pertenecen ya que sus vestimentas, -sweaters, vestidos, pantalones- parecen fuera del tiempo. Pero sí es posible vislumbrar, tal vez, su imaginación.

Pasquale (Buenos Aires, 1984) pinta paisajes soñados, pero también se escurren a través de su imaginería las postales de su infancia, transcurrida en Rincón de los Sauces, Neuquén, y algo de los hallazgos de los tratados de botánica que suele consultar, y del que se confiesa fanático.

Todo esto se evidencia por ejemplo en la pintura "Espora", título de una de las obras centrales de la exposición. En ella, un niño y una niña juntan flores de una extraña planta de hongos, con máscaras blancas y llamativamente largas. Pero además "espora" significa, en biología, la forma de resistencia que adoptan las bacterias ante condiciones ambientales desfavorables. Como si algo de esas propiedades se transmitieran a la condición de los retratados.

Las obras de Pasquale navegan entre distintas técnicas, algunas realizadas solo en lápiz sobre papel, otras en óleo sobre tela y un tercer grupo donde el grafito y el óleo se combinan de manera armoniosa. En "Invisible" (2015) el niño protagonista se esconde detrás de un antifaz negro y rectangular, mientras que en "Somos lo que soñamos" la máscara y la ropa del niño adquieren los utópicos escenarios por él pergeñados, al igual que en "Estío" y "Coloso".

"Son como antirretratos. De niños metidos en su imaginación. Yo antes hacía retratos con birome, donde las caras se veían muy claramente, y cuando cambié al lápiz empecé a laburar la temática de las máscaras, que es algo introspectivo", cuenta Pasquale en entrevista con Télam.

"Es un juego, como un refugio, tanto la máscara como pintar", dice este artista prácticamente autodidacta -pasó poco tiempo en escuelas de arte, primero en General Roca, Río Negro, y luego en Buenos Aires, aunque no demasiado entusiasmado en ninguna de ellas. Luego tomó talleres con Eduardo Stupía, y fue finalista en el Premio Itaú a las Artes Visuales, entre otros galardones recibidos.

"En mis obras hay mucho de mi propia infancia -dice Pasquale-, para empezar la naturaleza, un contexto donde estuve muchos años, el Delta en Neuquén. Es un constante autorretrato. No creo que haya obra que no contenga la historia del artista, es imposible, yo me veo totalmente retratado en recuerdos y situaciones, en cosas mías", relata.

-Télam: La botánica es algo muy presente en tu obra.

- Pasquale: Yo estudié un año y medio en la escuela de jardinería del Jardín Botánico y soy coleccionista de plantas sagradas -peyote, San Pedro-, me encantan las plantas, las estudio, me gusta saber sus nombres científicos, y ese mambo que está dando vueltas en mi cabeza está reflejado en las obras.

-T: "Del jardín de los soñadores", "Frágil", "Somos lo que soñamos", "Equilibrio" y "Tierra negra" son algunas obras que trazan el itinerario de la muestra. ¿Cómo surgen estos títulos?

- P: Muchos son fragmentos de poemas. Me gustan ciertos poetas o escritores. Por ejemplo ciertos fragmentos de Castañeda. También me gustan algunos textos de Fernando Pessoa. Una de mis obras se llama "la realidad no me necesita", que es el título de uno de sus poemas.

Sobre sus influencias, Pasquale menciona desde artistas contemporáneos locales como Max Gómez Canle o Diego Gravinese a otros históricos como Sandro Botticelli, Lucien Freud o Gerhard Richter.

En la vidriera de la galería Quimera se verá además "Black out", instalación del artista Hernán Salvo, que permanecerá en paralelo a la exposición de Pasquale, ambas hasta el 23 de noviembre. En Humboldt 1981 (CABA), de lunes a sábados de 10 a 20, con entrada gratuita.

¿Basta con hacer “clic”?

En este complejo mundo artístico, cuando cualquier objeto se lo eleva a categoría de obra de arte, ha llegado otro convidado: la fotografía. La que en los últimos 20 años ha ganado de forma muy acelerada espacios en museos y galerías. Es más, las viejas artes plásticas han pasado a ser llamadas “artes visuales” y de esa forma le evitan a los antiguos artistas que se sometan a modelar objetos con plasticidad (óleos, arcilla, grafito, mármol, tintas, etc). Y éstos, atentos a la moda, ahora intervienen fotografías y no es raro que en concursos de pinturas sean fotografías (y no pinturas) las que ganen. ¿Qué está pasando, basta con hacer “clic”?

Reproduzco tres opiniones: dos a favor y otra, no tanto.

1) ¿La fotografía es arte?

Por Sergio Jaén Lara

ARTE: “Manifestación de la actividad humana mediante la cual se expresa una visión personal y desinteresada que interpreta lo real o imaginado con recursos plásticos, lingüísticos o sonoros.”

Son muchas las ocasiones en las que he podido ver como la reivindicación de la fotografía como arte es cuestionada, de hecho es algo que se ha planteado desde su nacimiento. Las bases para que esto suceda parten normalmente de una queja: “La fotografía es simplemente la impresión de la realidad con el uso de la tecnología.”

ITALIA: 10 pintores realistas

Hablar de Italia es hablar de arte, pero en especial de pintura y escultura renacentista. También es hablar de genios como Leonardo, Rafael, Miguel Angel, Caravaggio que marcaron la historia de la pintura de un modo contundente e inigualable. Después de ellos, Italia no produjo nada sobresaliente.

¿Cuáles podrían ser el pintores italianos más conocidos de los últimos 100 años: Amedeo Modigliani, Giorgio de Chirico, Felice Casorati ? no mucho más. Dos figurativos y uno surrealista.

Ahora bien, desde los ´70 los pintores italianos han vuelto a pintar priorizando el oficio y dejando una nueva impronta en el inagotable universo del arte realista.

Por Rubén Reveco. Licenciado en Artes Plásticas

He logrado seleccionar a estos diez, lo que de ninguna manera son los únicos y definitivos mejores pintores (vivos) figurativos, realistas, surrealistas o hiperrealistas de Italia. Los 10 pintores de la "gran familia realista" según lo que conozco y considero. Ustedes dirán.

1) Gigino Falconi

Gigino Falconi nació en Giulianova (Teramo) en 1933. Comenzó a pintar a la edad de 16 años y en 1954 obtuvo el Liceo Artístico de Pescara. Durante los primeros años de su carrera, enseñó dibujo en la escuela secundaria en su ciudad. Refinó su técnica copiando cientos de pinturas y dibujos. Logrando una comprensión de los secretos de la técnica y el color alcanzada por los grandes maestros de cada siglo.

En 1975 abandonó la enseñanza para dedicarse por completo a la pintura. Su método de trabajo despertó el interés de los críticos de arte y la prensa. Realizó exposiciones individuales en Frankfurt, Colonia, Düsseldorf, París, Nueva York, Toronto, Atlanta, Hamilton y Tokio. Participó en numerosas otras exposiciones en Italia y en el extranjero.

Ver también

¿Por qué el artista plástico en Argentina celebra su día en dos fechas distintas?

¿Un día como hoy -21 de setiembre- o un 3 de noviembre? ¿Por qué los dibujantes, pintores, escultores y grabadores celebran su día dos veces al año?

El día 21 de septiembre se festeja el día del estudiante, el día de la primavera, el día internacional de la paz, el día del fotógrafo y el día del artista plástico por una simple razón, todas estas fechas representan un festejo a la creatividad, el desarrollo y la innovación.

Esta coincidencia no es un mero capricho del destino ni del azar, sino una justificada unificación de fechas con un mismo marco: la celebración por la renovación, la creatividad, la naturaleza y el desarrollo del espíritu humano.

Ahora bien, hace algunos años un grupo de artistas considerando que el 21 de setiembre era una fecha más que nada simbólica y poco especifica, determinaron que el 3 de noviembre se adecuaba más al propósito conmemorativo. En esa fecha había muerto (1870) el que se considera el primer gran pintor de la Argentina: Prilidiano Pueyrredón.
Que los artistas plásticos tengas dos fechas para celebrar es al menos una curiosidad, que muchos desean que se mantenga por muchos años.
En el peor de los casos, se podría empezar los festejos el 21 de setiembre y terminar el 3 de noviembre. ¡Muchas felicidades a todos!

Prilidiano Pueyrredón nació en 1823. Murió a los 47 años, soltero, hijo de Juan Manuel de Pueyrredón, quién junto a José de San Martín planificaron el cruce de los Andes.

Es famoso por sus desnudos femeninos, como el polémico cuadro de "La Siesta", que provocó un gran escándalo y que fuera muy criticado por el sector más influyente de la sociedad de 1860.

Pero también pintó paisajes típicos. Escenas rurales y urbanas que pueden admirarse en el Museo de Bellas Artes de Buenos Aires.

¡Por fin una pintora!

Marta Such nació en Zapala, provincia de Neuquén, Argentina. Inaugura este viernes 16 de setiembre en la Legislatura de Neuquén la retrospectiva más importante de su extensa carrera artística.

En estos días de confusión donde cualquiera puede ser artista y cualquier cosa es considerada arte, es reconfortante presentar a una pintora "de aquellas".

Quien dice Marta Such dice pintura. Y quien dice pintura también dice compromiso político; dice persecución, dolor y lucha.

Por Rubén Reveco. Licenciado en Artes Plásticas

La mujer, la convicción, el grito y la artista parecen ser hitos que están siempre presentes. Siempre está la mujer con sus sueños, con sus penas, con su pasión incondicional, con sus temas pendientes, con su mal carácter, con su palabra amable, con sus errores y con sus aciertos. Siempre está la artista. Porque en su obra vuelve eterno el momento simple y diario de muchos... Cuando Marta Such pinta, en realidad trabaja para pintar trabajadores.

Esto tiene un precio. Ser una artista que denuncia para enaltecer un oficio también puede ser una tarea dolorosa no sólo para el que padece la injusticia sino para el que la denuncia.

Pero no todo es protesta. Confiesa tener -como cualquier ser humano- temas pendientes y que quiere “resolver lo antes posible”. Es la Marta Such íntima que conocimos en una entrevista exclusiva para la revista Machete.