El descendimiento de Cristo, de Virginio Arias

"El descendimiento de Cristo" es obra del escultor chileno Virginio Arias y fue realizada en 1887, hace 130 años.

Ahora que los escultores amontonan escombros y pretenden que eso sea una obra de arte -y lo que es peor- son premiados, yo recuerdo con nostalgia este conjunto escultórico que formó parte de mi vida estudiantil y que dibujé in situ una y otra vez.

Por Rubén Reveco - Licenciado en Artes Plásticas

El arte de la escultura es otra víctima del arte contemporáneo. A mediado de los años ´80 del siglo XX se empezó a premiar un rejunte de objetos realizados con desechos: latas oxidadas, hierros retorcidos, maderas podridas, neumáticos y cualquier otra materia prima que sea lo contrario a un material noble. El más odiado por los nuevos artistas fue el mármol, quizá por ser una piedra que exige grandes desafíos y que sólo unos pocos la pueden dominar.

"El descendimiento de Cristo", de Virginio Arias, en el Museo de Bellas Artes de Santiago de Chile es el mejor ejemplo de una obra de calidad inalcanzable para el 99% de los artistas. Es la escultura del siglo XIX realizada en mármol quizá más importante de Latioamérica.

Yo solía pedir permiso ante las autoridades del museo para dibujarla y en ferias artesanales vendía las reproducciones. Cuando me quedaba sin láminas, otra vez volvía al museo... De esa forma -día a día- fui admirándola y sobre todo reconociendo la genialidad de su creador.   

Las pinturas que más placer producen

John Constable – Wivenhoe Park, Essex (1816)

El arte causa placer. Si te sientes decaído prueba con un museo. Semir Zeki, experto en neurobiología y neuroestética del University College de Londres, ha demostrado que contemplar una bella obra de arte produce en tan sólo 10 segundos un aumento inmediato del flujo sanguíneo en zonas del cerebro relacionadas con el placer.

El efecto equivale a la sensación de estar enamorado. Concretamente, en un experimento con 28 sujetos sin conocimientos previos de arte, Zeki comprobó que las obras que más placer producen son las del paisajista inglés John Constable y las del pintor neoclásico francés Dominique Ingres. Por otra parte, admirar una imagen artística acompañada de música clásica genera más respuestas emotivas que colocarse ante la misma pintura en ausencia de sonido, según revelaba una reciente investigación realizada en la Universidad de Zurich (Suiza). Algunos expertos sugieren que este efecto podría deberse a que la música y el arte pictórico están íntimamente ligados en el cerebro, aunque sólo las personas sinestésicas -que asocian percepciones de sentidos diferentes, por ejemplo escuchando colores u oliendo sonidos- son conscientes de esa conexión. De hecho el pionero del arte abstracto Wassily Kandinsky, que era sinestésico, dijo en cierta ocasión que tenía la esperanza de que sus cuadros pudieran “ser escuchados”.

Jean-Auguste-Dominique Ingres - The Virgin Adoring the Host (1852)

Lo mejorcito de "200 años de arte argentino"

El riesgo de la convivencia son las odiosas comparaciones. Ahora los curadores hacen "dialogar" las obras de arte de diferentes épocas (No se exhiben cronológicamente). Por lo tanto no se extrañen si encuentran una gran pintura del siglo XIX junto a un mamarracho del siglo XXI. Esto se hace -obviamente- con la intención de convalidar el arte contemporáneo junto al arte de todos los tiempos. O sea, institucionalizar los caprichos de un grupúsculo enquistado en el poder que viene degradando uno de los oficios más maravillosos de los seres humanos.

Por Rubén Reveco - Licenciado en Artes Plásticas

En el Museo Nacional de Bellas Artes, de Neuquén, se inauguró la muestra itinerante "200 años de arte argentino". Pensada como un homenaje a la Independencia argentina, 67 artistas argentinos muestran sus trabajos. Llama la atención las ausencias de Ricardo Carpani, Benito Quinquela Martín, Ángel della Valle, Carlos Pellegrini, Ernesto de la Cárcova y Juan León Palliére, entre otros. Supongo que fueron "sacrificados" en pro de algunos ilustres desconocidos.
Aún así, tuve la oportunidad de estar frente a frente de grandes artistas y eso -sin dudas- se agradece. 

Facebook vuelve a censurar al fundador del realismo artístico

Autorretrato de Gustave Courbet

Tras perder un juicio por bloquear en Francia el óleo "El Origen del Mundo", ahora la red social eliminó la edición especial que la gaceta de estética Léucade dedicó al destacado pintor francés, y que incluía la obra "El Sueño".

"El sueño"

FUENTE: Diario La Tercera

El arte volvió a ser alcanzado por las políticas de censura de Facebook. La red social, que en febrero de 2016 ya había perdido una batalla legal en Francia al bloquear “El Origen del Mundo”, del célebre pintor francés Gustave Courbet, acaba de dejarse caer de nuevo sobre el mismo autor.Esta vez, el borrado en el ciberespacio apuntó a “El Sueño”, la recordada obra de 1866 en la que el padre del realismo artístico entrelaza la desnudez de dos mujeres sobre la sábana.

La tela fue incluida en el último número de la gaceta de estética Léucade, que dedicó íntegramente dicha publicación a la vida y obra del amigo de Charles Baudelaire.

La revista criticó la determinación y señaló que “quienes perpetran la censura se arrogan el derecho exclusivo de ver aquello de lo que unilateralmente privan a los lectores, promoviendo así la masificación de una ignorancia que jamás aceptarían para sí mismos”.

"El origen del mundo"

Desde facebook tampoco no se puede subir la Maja Desnuda de Goya.

En Colombia piden reestructuración del Salón Nacional de Artistas

El Salón Nacional de artistas de Colombia actualmente no representa ni los intereses ni las proyecciones estéticas de un amplio sector de creadores visuales que tienen un trabajo serio en el país. Su manejo se centra en responder a una visión sesgada, ideológica y elitista sobre las prácticas artísticas actuales, con un énfasis excesivo en las propuestas en nuevos medios que parten del arte conceptual y de la herencia artística de Marcel Duchamp.

El Salón desconoce desde el estado la validez de medios, calidades y propuestas que son descalificadas como "tradicionales" o "modernas", en las cuales sin embargo trabajan y tienen un proyecto actual y serio un sector importante de artistas nacionales. Igualmente, los últimos años, bajo los afanes de una actualización local, se ha implementado un sistema de curadurías que da más importancia a la figura del curador que a los artistas, lo que ha impedido dar relevancia a nuevos nombres, crear verdaderas tendencias y auténticos estilos, ajenos a los requisitos "contemporáneos" del actual modelo de Salón. La inclusión de artistas internacionales escogidos porque se ajustan a la ideología del Salón impide igualmente un entendimiento claro de la multiplicidad de tendencias en el arte internacional actual.

Por lo mismo, deseamos un cambio total en el modelo de este evento estatal, para que el mismo refleje realmente la producción artística y cultural de los creadores nacionales. Es necesario que el Salón vuelva a sea incluyente, introduciendo propuestas en pintura "tradicional", escultura monumental, grabado y demás técnicas, medios, formas y estilos que, siendo igualmente actuales, son invalidados injustamente por las políticas institucionales vigentes.

Así pues es prioritario que el Salón sea útil para la consolidación de artistas con obras serias y no que sea un medio para hacer circular curadores o reafirmar la obra de viejos artistas nacionales a través de la escogencia de un pequeño sector de nuevos artistas que simplemente replica un entendimiento del arte muy cuestionable y estrecho.

Se viene el "Neuquén Contemporáneo Huellas" (Parte 3)

Si se trata de proponer ideas para un evento cultural podría seguir varias semanas más, pero siento que alargar estas publicaciones puede resultar contraproducente y más de alguno podría enojarse o quitarme el saludo, como ya me está pasando.

Por Rubén Reveco - Licenciado en Artes Plásticas

Lo que sucede es que uno puede tener muy buenas intenciones, pero los artistas (incluso los contemporáneos) se sienten ofendidos si se les propone hacer "algo" y es comprensible porque se supone que arte es sinónimo de creatividad. ¿Quién soy yo para decirle a un colega lo que tiene que hacer? Es un asunto de identidad ¿no?

¡Feliz Día del Trabajador a todos los artistas!

A los viejos y a los niños; a los famosos y a los anónimos. A los que enseñan siendo niños y a los que aprenden siendo viejos. A los virtuosos que nos maravillan y a los que se esfuerzan por superar obstáculos.

El mundo sería muy poco sin el arte. Sin las canciones, sin las pinturas, sin la danza, sin el teatro, sin el cine, sin la literatura, sin la poesía, sin la fotografía, sin la escultura y sin los monumentos que fueron marcando -siglo a siglo- la presencia del hombre. Porque en cada época encontramos un testimonio de un artista; de un creador. Muchas veces anónimo y otras, consagrado en el firmamento de las estrellas.

Todos han hecho su aporte y trabajan por expresar y conferir belleza a este mundo que compartimos y que es el único que tenemos.