Las caras pintadas de Michal Lukasiewicz

Magnifica obra de este joven artista polaco radicado en Amberes, Bélgica.

Por Rubén Reveco, licenciado en Artes plásticas

Un hallazgo

Algo de Vermeer de Delft, algo de Leonardo, en la forma y contenido de la obra de este pintor. Encontramos una fina y elaborada textura en el soporte donde trabajó posteriormente esos rostros que nos miran. Ese es el secreto de su propuesta tan clásica como contemporánea.

Algo, también, de Mona Lisa en esas cejas casi depiladas y esos sfumatos que tan bien armonizan con los colores primario. Un hallazgo.

Más información

El talento y el arte

El arte contemporáneo y su relato nos quiere hacer creer que ya no es necesario tener talento para ser artista. Según ellos, nosotros -los artistas plásticos- no comprendemos que existe un nuevo paradigma y que es inútil y tonto perseverar en pintar -por ejemplo- y menos rescatar a la belleza del basural a donde ha sido arrojada.

Sin embargo, al arte se lo sigue asociando a esta característica tan singular de los  seres humanos. Sin talento no existe poesía, música, baile, pintura o escultura... Ahora bien, ¿que entendemos por talento?

José Ingenieros en su libro El Hombre Mediocre plantea una diferenciación entre genio y talento: Llama genio al hombre que crea nuevas formas de actividad no emprendidas antes por otros o desarrolla de un modo enteramente propio y personal actividades ya conocidas; y talento al que practica formas de actividad, general o frecuentemente practicadas por otros, mejor que la mayoría de los que cultivan esas mismas aptitudes.

El talento se puede considerar como un potencial. Lo es en el sentido de que una persona dispone de una serie de características o aptitudes que pueden llegar a desarrollarse en función de diversas variables que se pueda encontrar en su desempeño.

El talento es una manifestación de la inteligencia emocional y es una aptitud o conjunto de aptitudes o destrezas sobresalientes respecto de un grupo para realizar una tarea determinada en forma exitosa. 

El talento puede ser heredado o adquirido mediante el aprendizaje. Por ejemplo, una persona que tenga el talento de ser buen dibujante muy probablemente legará esta aptitud a sus hijos o a alguno de sus descendientes. Asimismo una persona que no es y desee ser dibujante deberá internalizar mediante el aprendizaje continuo y esforzado la destreza e internalizarlo en su cerebro la condición que le permita desarrollar la aptitud.

El talento intrínseco a diferencia del talento aprendido es que el individuo lo puede dejar de ejercer por mucho tiempo y volver a usarlo con la misma destreza que cuando dejó de usarlo; el talento aprendido requiere de ser ejercitado continuamente para no perder la destreza.

Ver también:

¿Por qué odian a los talentosos?

¡Horrible!

"El escultor", de Themo Lobos.

Hasta hoy, "horrible" era una palabra vedada en el mundo del arte. Es necesario reivindicarla sin complejos ni miedos de ningún tipo.

Por Rubén Reveco, licenciado en Artes Plásticas

Algunos consejos

Te puede gustar o no gustar una obra de arte, pero el "no me gusta" (también eliminado de facebook) siempre lo debes minimizar; ser amable con el artista y decir "no entiendo". Es preferible pasar por ignorante que por mal educado. Pero como de la mala educación a la ignorancia hay sólo un paso, después de decir "no entiendo", debes agregar: "No sé lo que quiso decir el artista". De esa forma ponemos al artista en un nivel superior al nuestro; un ser que maneja ideas, formas y conceptos que no están a nuestro alcance de comprensión.

No es lo mismo feo que mediocre

Hablando en serio, está claro que el artista de hoy no es el artista de ayer. Durante todo el siglo XX, y lo que llevamos del XXI, lo feo ha reinado en el mundo de las artes plásticas y lo aceptamos como un valor estético, ya que para hacer algo feo también se requiere de talento. Pero no hay que dejarse confundir: lo feo es un valor estético y la mediocridad es una falencia manifiesta de algunos que quieren posar de artista. En este último caso no debemos tener ningún miedo para decir al producto del mediocre "eso es horrible y no quiero que me explique nada".

Andrew Sterrett Conklin: el mensaje puede esperar

Este es un pintor de EE.UU. muy influenciado -como podrán ver- por los antiguos maestros europeos. En especial por Vermeer de Delft. Más que nada por esos climas interiores tan exclusivos de un atelier.

Rescato de sus palabras el compromiso en sus años de estudio en la educación formal y dominio de la técnica antes de pensar en qué expresar como artista.

La entrevista fue realizada en inglés (Aquí) y traducida con la ayuda de Google.

Entrevista con Andrew Conklin

-Usted estudió en Chicago y Nueva York y luego viajó Europa. Hable de sus primeros años.

-Nací en Chicago, donde asistí a escuelas católicas, y mi primera escuela de arte, la Academia Americana de Arte. En ese momento, yo también estaba trabajando en una oficina de diseño gráfico y consideré una carrera en ese campo. Mi primera clase de pintura al óleo cambió eso, como me quedé fascinado con los problemas formales de la pintura, y me mudé a Nueva York para continuar con mi estudio de pintura realista. Me inscribí en la Academia Nacional de Diseño, y más tarde asistí a la Liga de Estudiantes de Arte y la New School University. Tanto las escuelas y la ciudad me proporcionaron una excelente introducción a la vida artística. Encontré una comunidad de pintores que eran a la vez de apoyo y competitivo, y la calidad de mi trabajo mejorado mucho durante mis primeros años en Manhattan. Cuando no estaba en la escuela, recorría las galerías, museos y barrios en busca de inspiración.

Comencé a viajar a Europa poco después de mi matrimonio, y me encontré con las obras de artistas conocidos previamente sólo de los libros y las diapositivas. Las pinturas de Caravaggio, Domenichino, Velázquez, Rubens, Van Eyck y Vermeer (entre muchos otros) fueron una revelación que avivó mi deseo de experimentar lo que me imaginaba y deseaba para mí.

De blog a blog: "Uno de los nuestros"

Tal vez decepcionado ante la descomposición artística que veía a mi alrededor, dejé de pintar en la década del ´90, del siglo pasado. Aparentemente el sueño había terminado. Pero "harto ya de estar harto" retomé los pinceles y a partir de 2008 me propuse volver a trabajar en una producción de 13 pinturas y exponer. Fue en esa fecha, más o menos, cuando descubrí un blog de un español que me llamó la atención por su contenido y me puse en contacto. 
Uno de los Nuestros me realizó la primera entrevista que me ayudó a conocer a muchos artistas, blogueros y difundir mi obra en todo el mundo. Pero lo más importante: certificar una vez más que sin talento no existe arte.

N. de la R.: Esta entrevista ha sido ilustrada con una selección de desnudos (fotografías y pinturas) publicados en el blog de Enkil.

Por Rubén Reveco, licenciado en Artes Plásticas

Enkil (Jose Miguel Mauriz) nació hace casi 54 años y ha vivido casi toda su vida en la ciudad de Barcelona. En los 80 su afición a la música, al cine, a los cómics y al arte en general era su constante y devoraba todo lo que caía en sus manos. Estudió EGB (Enseñanza General Básica) y la vida lo llevó por caminos laborales varios, "de los cuales no vale la pena ni hablar", dice. En los 90 "dejé la música porque comer era algo necesario", y hace unos años la retomó más como hobby que como una actividad profesional.

Pinturas de Lui Liu

-¿Cuántos años llevas con “Uno de los Nuestros”?
Empecé el blog en agosto del 2006 (este año cumpliré 9) y son ya 1541 entradas. Al principio la idea era sólo compartir mis gustos personales de música, cine, literatura, cómics… Pero cuando entré en Internet un nuevo mundo se abrió a mis ojos: tanto arte, de tantas formas, de tantos sitios… Quería compartir todo lo que encontraba, pero era demasiado trabajo para una sola persona, así que lo enfoqué más en un área más específica, el arte visual. Aun así el trabajo es tremendo. No me gusta compartir cualquier cosa sin dejar información alguna. Todo artista merece que se le cite y se le reconozca su trabajo. No me sirve sólo poner unas bonitas imágenes que le gusten a todo el mundo y donde yo aparezco de descubridor y protagonista. Los que tienen que llevarse el protagonismo son esas personas capaces de expresar todo tipo de sentimientos y sensaciones. Por eso procuro siempre dar la máxima información posible. El trabajo no es fácil, sobre todo si no dominas idiomas, y el tiempo (ese maldito inconveniente que nos hace sufrir a todos por igual) no se detiene por nadie. Siempre falta tiempo.

Obra de Vadim Stein

-¿Por qué se llama así?
¿No es bonito acaso decir que tal o cual artista es “Uno de los nuestros”? es como si todos perteneciésemos a la misma comunidad, con gustos afines. En realidad el título es de una película de Martín Scorsese, una gran película de gánsters, pero no era esa mi intención (no somos delincuentes), aunque en cierta forma algo coinciden, ya que en las familias italianas ser “uno de los nuestros” significaba apoyarse entre sí, ser de la misma familia. Es ese concepto de comunidad afín es lo que me llevó a elegir el nombre.

Obra de Jenny Boot

-Tu blog es uno de los primero y más antiguo que conozco, ¿cómo haces para no "tirar la toalla", como decimos por acá, en Argentina?
Pues no ha sido fácil, pero supongo que el hecho de ir descubriendo siempre cosas nuevas, de ir aprendiendo cada día un poco, y del apoyo de gente que me sigue me anima a continuar. Por suerte también cuento con algo de tiempo que me permite dedicarme altruistamente a las cosas que me gustan. También el hecho de ir conociendo a nuevos blogueros que tienen en mí una especie de “referencia”. Las redes sociales han ayudado a que haya una mayor comunicación entre nosotros. Pero ha habido veces que he dudado en seguir, que me he planteado dejarlo. En el fondo no lo dejo porque sigo disfrutando con ello.

Pintura de Alexander Shubin

-¿Qué has aprendido -de arte y otras cosas- en todos estos años?
He aprendido muchísimo en muchos aspectos. En arte-si tenemos en cuenta que no tengo ninguna formación académica- he aprendido innumerables cosas, tanto en técnica como en estilos, aunque sigo considerándome un simple espectador con un criterio personal que en ningún momento pretende ser un erudito. Como ya he explicado crecí con una cultura más bien underground y lo aprendido en el colegio acerca de los clásicos. El blog me abrió las puertas a otros mundos, a la ilustración, al arte digital, los collages, el diseño, la fotografía, la pintura… Hay tanta creatividad y de tantas formas diferentes… 
Algunos comentarios también me ayudaron mucho, recuerdo más de una conversación entre usuarios, que si sabían de que hablaban, opinando sobre el realismo en la pintura… No pasa muchas veces, pero cuando pasa es todo un ejercicio de aprendizaje. 
También aprendí que Internet es una gran herramienta, pero que detrás hay personas. No sólo he conocido muchos artistas, sino mucha gente muy valiosa unidos por unos gustos comunes aunque nos encontremos a kilómetros de distancia. Las redes sociales han destruido un poco esa comunicación en el blog (cuando empecé con él no había aún redes sociales y los comentarios eran más frecuentes), pero esta se ha hecho mayor y más cercana gracias a ellas.

Obra de Aleksey & Marina

-¿Consideras que desde un comienzo has publicado lo que te gusta o el blog ha cambiado tus gustos?

Siempre he publicado aquello que me gustaba o me llamaba la atención, pero sí que es cierto que el ir descubriendo cosas nuevas me ha ido abriendo las puertas a nuevas publicaciones, a veces ciertamente arriesgadas. El blog es totalmente altruista, e incluso me cuesta algo de dinero (no mucho, y lo considero bien invertido), pero eso me da la libertad suficiente para poner lo que quiero, cuando quiero y como quiero. De todas formas, si lo sigues desde hace tiempo, verás que al final el blog ha pillado una dinámica; un cierto estilo. Creo que ambos nos retroalimentamos, ambos incidimos en cierta manera uno en el otro. Aunque al final quien decide soy yo.

Pintura de Juan Medina

-¿Cómo editor administras una autocensura?
No hay ningún tipo de censura en mis publicaciones, a pesar de que algunas de ellas tratan temas algo espinosos como el erotismo, el fetichismo, o el arte oscuro. El arte expresa sentimientos y sensaciones, pero no todos son belleza y alegrías, el género humano también tiene pesadillas, miedos, angustias, rabia… Intento que lo que muestro sea sincero, que diga algo al espectador, que no sea simple espectáculo gratuito, aunque supongo que eso va sobre gustos, y no siempre coincidimos en ellos. Donde sí aplico censura es en redes sociales, en especial Facebook y Google + que tienen una obsesión enfermiza y absurda con los pezones femeninos y en especial con los genitales. Más de una vez me han denunciado por un cuadro o una fotografía que enseñaba medio pezón.
-¿Tanto el desnudo (como tema) y el realismo (como estilo) perderán vigencia algún día?
En cuanto al desnudo como tema no creo que pierda vigencia a pesar de las censuras en redes sociales y del puritanismo imperante en nuestros días. La pena es que el desnudo se haga fuerte como tema sexual y pierda vigencia como tema artístico. El cuerpo desnudo ha de ser motivo de belleza y armonía, un don que la naturaleza nos ha concedido y que debemos respetar y elogiar en su justa medida. Es cierto que su uso ha degenerado con la entrada del porno, y no es que esté en contra de el ni mucho menos, estoy en contra de la poca sensibilidad que hay a la hora de distinguir entre un uso artístico y un uso puramente explícito. Pero el desnudo existe desde los principios del arte y la historia, mal iríamos si perdiese vigencia.
El realismo por el contrario creo que va al alza, sobre todo si tenemos en cuenta que cada vez más necesitamos representaciones más creíbles, que nos muestren la realidad de una forma más real, aunque yo soy un gran amante del surrealismo también.

Obra de Carles Gomila

-La censura sigue siendo todo un tema, más si consideramos los últimos eventos ocurridos en Francia.
Algo absurdo y sin sentido, como absurdo ha sido lo que ha pasado en París, como absurdo es lo que pasa en Palestina, en... Lo de París no tiene nada que ver con el arte, es el resultado de la degeneración de la sociedad en la que vivimos. La foto de los mandatarios haciendo una manifestación en París es de lo más hipócrita que he visto nunca, cuando son ellos los que han provocado esta situación y los primeros en aplicar absurdas censuras y crear monstruos que luego se vuelven contra todos. Seguramente con todo lo sucedido no se preocuparán de educar a la sociedad por un mundo más justo y más libre, sino que irán a controlarlo más y a cortar más libertades.

Pintura de Marta Dahlig 

-Teniendo como antecedente que el arte abstracto surgió en las posguerras mundiales y que a sus artistas el tema del genocidio, la muerte de millones de personas y destrucción de cientos de ciudades parecía no ser "digno" de ser representado, ¿crees que el arte llamado contemporáneo (Conceptual, instalaciones, happening, land art, etc.) también vive de espaldas a la realidad?
Ese es un tema que me planteo muy a menudo. ¿Ha de implicarse más el Arte en temas sociales? Creo que esa es una decisión del artista, y creo que normalmente no lo hace, al menos no de una forma directa. Sin embargo hemos visto el nacimiento de cierto tipo de Arte que si está mucho más implicado, el llamado Street Art. Últimamente también he descubierto muchos artistas contemporáneos que de una u otra forma si reflejan el malestar social que vivimos. Algunos de una forma más directa y otros más indirecta. El Arte en sí mismo ya es un acto de rebeldía contra una sociedad cada día más obsoleta. Por supuesto hemos de suponer que si el arte refleja sentimientos, y vivimos los tiempos tan difíciles que vivimos, el arte termina siendo un reflejo de ello, termina expresando ese desencanto. Pero también la belleza y el amor han de ser representados constantemente para que no olvidemos nuestra parte más humana. Yo hago canciones y mis letras hablan de amor, de desengaños, de rebeldía y de denuncia. Pero no es fácil hacer un arte que denuncie a quienes precisamente controlan todos los pasos de tu vida. Si les denuncias ellos te bloquean con su poderoso dios “el dinero”. Y comer sigue siendo algo necesario…
-¿Quién controla?
Los bancos, las grandes empresas y todo aquel que acumula riquezas que nunca terminará de disfrutar. El dinero es la única religión, todo gira alrededor, todo se compra, todo lo embrutece.

Pintura de Simone Haack

-¿Gracias a Dios soy ateo podrían decir los de Charlie Hebdo?
Por supuesto y yo soy ateo. Las religiones, todas, son una forma de engañar y someter a la gente. Estoy de acuerdo con Charlie Hebdo en que no hay que someterse a ningún tipo de presión por unas caricaturas, es absurdo, son solo dibujos. ¿Cuánto hace ya que los problemas religiosos acaban convertidos en un baño de sangre? En España se han suspendido exposiciones porque el contenido anti-religioso no les ha gustado a los mandatarios. De acuerdo que no ha habido sangre por medio, pero el fondo sigue siendo lo mismo, represión y censura. Sin embargo, esos mismos mandatarios luego se les llenan la boca con la palabra “libertad de expresión”.
-De entrevistador a entrevistado ¿se siente el cambio?
Me siento un poco abrumado ya que no me considero ni artista ni nadie tan interesante como para exponerme de esta forma. Mis opiniones son algo personal sujetas a cambios a través del aprendizaje y debatibles con otras formas de pensar. Me gustaría que el respeto y la tolerancia fueran una forma de vida generalizada y que el arte y la cultura se implementara en todos los campos de la sociedad. Un mundo culto es un mundo más sano y más feliz.

Enkil

Jeff Koons: "¡Que bonito los perritos!"

Jeff Koons ha sido en repetidas ocasiones objeto de demandas legales por violación a los derechos de autor. 

Recuerdo que de chico me fascinaba la habilidad de ciertos vendedores de globos. En una fracción de minuto, inflaban un largo tubo y con rápidos movimientos lo convertían  en un animal; de la nada aparecían diferentes formas (perros, por ejemplo) para la delicia de mis inocentes ojos de niño.
Nunca llegué a sospechar que estas formas se convertirían en el futuro en cotizadas obras de arte y se venderían por millones en las subastas de arte contemporáneo.
¡Ay de mí, siempre llegando tarde!

Por Rubén Reveco, licenciado en Artes Plásticas

"Ballon Dog" (Orange), de Jeff Koons. Fue el primer artista en utilizar los servicios de una agencia de publicidad para promover su imagen y contratar un grupo de obreros para que le hagan sus obras.

Las ideas estropean la pintura

El historiador Ángel González García falleció el 21 de diciembre de 2014 a los 66 años.

"El arte en su origen estuvo asociado a la alucinación, a estados de trance. El arte profesional ha olvidado esto", expresa el historiador Ángel González.

Una recopilación de textos propone lecturas y puntos de vista inusuales sobre la práctica artística. Pintar sin tener ni idea reclama una experiencia corporal con la creación, las sensaciones de estar físicamente en el mundo.

"El problema de los artistas es que se han embarcado en ese disparate de hacer arte, de vivir de eso. Pobrecillos".

Entrevista publicada en el diario El País , de España

Pintar sin tener ni idea parece un título heterodoxo para un crítico e historiador del arte. Pero encaja perfectamente con la postura de Ángel González (Burgos, 1948), un pensador ecuánime y apasionado a partes iguales, lúcido y polémico. Un amante del arte en estado puro que no da demasiada importancia a las derivas actuales de una industria y un sistema que le parecen inútiles. Pintar sin tener ni idea (Lampreave y Millán) es una recopilación de textos escritos por él para conferencias o presentaciones de catálogos de exposiciones. Pese a su diversidad es posible seguir a través del conjunto varios hilos conductores que señalan por dónde van las ideas e intereses del autor. El ensayo que da título al libro se refiere a "la otra orilla de la vanguardia", como dice él, al arte creado por locos y presidiarios. Una creación que responde a un impulso ingobernable, desinteresado y fuera del sistema. El territorio por el que este profesor de historia del arte contemporáneo en la Universidad Complutense y Premio Nacional de Literatura en 2001 por su ensayo El resto transita sin ceñirse a reglas establecidas.

El arte contra el terrorismo

Homenaje de los artistas del mundo a sus colegas periodistas y dibujantes de la revista francesa Charlie Hebdo asesinados hoy por el fundamentalismo islámico

De blog a blog: El Hurgador (Arte en la Red)

Entrevista ilustrada con imágenes de "El Hurgador".

Se llama Javier Fuentes. Nació en Montevideo, Uruguay, en 1963 y vive en Tenerife, España, desde el 2000. 

Estudió dos años de bibliotecología en la Universidad de Montevideo, y desde hace 9 años trabajo como personal de información de un hospital de España.

En su tiempo libre se dedica con pasión a El Hurgador, un blog que ha ganado un merecido prestigio en el mundo de habla hispana. 

Con esta entrega, iniciamos un ida y vuelta con los colegas que difunden el arte, en especial esos que rinden homenaje al talento.


Por Rubén Reveco - Licenciado en Artes Plásticas

Es fácil y gratificante empezar con un blog de arte, lo difícil es mantenerlo. Muchas veces dudas si vale tanto esfuerzo ad honoren. En este tiempo he conocido muchos que han abandonado lindos blogs, bien diseñados, textos bien redactados, con buena información; pero que después de algunos meses "lo cierran" porque no generan la respuesta esperada.

Primero desde "Resistencia Realista" y luego desde "El arte de Rubén Reveco" he conocido a muchos artistas y blogeros tan perseverante y testarudo como el que suscribe. Cuando están sintiendo que es demasiado el esfuerzo invertido les llega un comentario estimulante de cualquier parte del mundo y continúan y se esfuerzan para no repetirte, mantener el nivel y llenar las expectativas de sus lectores que a través de estas páginas han descubierto que hay otra forma de hacer arte; o que ha sido la de siempre y seguirá siendo la que muchos queremos.
Javier Fuentes es uno de ellos.

-¿Por qué tu blog está dedicado al arte?

Porque me interesa. Disfruto mucho con él, y me place poder compartir y aprender con gente que disfruta tanto como yo.

-Eres un artista o un admirador del arte?

Admirador.

-¿Qué responsabilidad le atribuyes a las redes sociales en su difusión?

Mucha. Las redes sociales han puesto el arte al alcance de mucha gente que probablemente de otra manera no le prestaría atención, y eso estimula la curiosidad. Para los que ya somos aficionados, es una manera de estar constantemente al día y conociendo nuevos artistas y propuestas.

Wilhelm Lehmbruck, escultor alemán nacido en 1881.

-Difundes preferentemente fotografía y pintura realista. ¿A qué atribuyes su vigencia y renovada vigorosidad?

Sin duda tengo preferencia personal por el arte figurativo, aunque no desdeño otras vertientes.

La pintura realista ha tenido un revival en los últimos tiempos. Supongo que una vez exploradas las vanguardias a lo largo del siglo XX, siempre hay un refugio en lo clásico, una búsqueda de los antiguos Maestros, como ocurrió en el Renacimiento italiano. La pintura realista es una propuesta artística más directa, de más fácil acceso, por así decirlo, que los géneros no figurativos o más "rompedores". Un buen artista realista, con una buena técnica, se puede apreciar más directamente para una mirada no erudita o acostumbrada a las vanguardias, a apreciar obras que, en ciertos casos, se necesita un "background" cultural para poder comprenderlas y disfrutarlas como corresponde.

La fotografía es un medio que se ha popularizado desde el boom de lo digital y la difusión masiva de la imagen en la red. Es una forma artística que me interesa mucho por la gran variedad de vertientes en las que se desarrolla.

Charlie Grosso, artista y fotógrafa estadounidense de origen chino con sede en California.

-Si bien en España existen espacios como el MEAM (Museo Europeo De Arte Moderno) que promueve el arte figurativo, realista o hiperrealista, parece ser la excepción.

La mayoría de las instituciones sigue "invirtiendo" en arte contemporáneo...

Como te decía, soy un admirador del arte, no un experto.

Lo que puedo decirte es que cada vez que uno de los grandes museos hace una exposición de artistas figurativos, reciben cientos de miles de visitantes. Los artistas figurativos, realistas e hiperrealistas aparecen por doquier, con una gran calidad y técnica, con cosas que decir, algo que creo no era tan frecuente a mediados del siglo pasado, cuando hacer arte realista era visto como algo más o menos anacrónico.

Eso no quiere decir que el arte contemporáneo o las vanguardias del siglo XX hayan quedado de lado. De hecho gracias a la difusión masiva y facilidad de acceso, pasa como con la música: cualquier forma de expresión, género y estilo tiene sus seguidores, sus canales de distribución y su ámbito de influencia.

Es más, creo que hoy en día es mucho más fácil encontrar críticos o "entendidos" que se atreven a cuestionar la validez de la pintura no figurativa como producto de tipos que "no saben pintar" y les basta hacerse un nombre de la mano de curadores o críticos afines, para terminar vendiendo cuatro garabatos por una fortuna en cualquier subasta.

Obra de Martin Wittfooth

-Es más o menos lo que pensamos en Argentina. Sólo que viviendo en América Latina se hace todo más difícil: distancia, medios económicos.

Lo sé. Aunque estoy aquí en España, soy uruguayo, e intento mantenerme informado de cómo anda la cosa por allá.

Pintura de Aleah Chapin

-Volviendo al blog. Una gran virtud es la perseverancia y regularidad en la información. ¿Tienes la respuesta de tus lectores que deseas como para continuar todos los días sabiendo que es un trabajo ad honoren?
Estoy más que satisfecho con la respuesta en cuanto a número de seguidores, comentarios en los posts y apoyo de los artistas. En todo caso desde el principio me lo planteé como una actividad que me aporta mucho desde el punto de vista personal. Nunca pensé que lo iba a mantener durante tanto tiempo, pero por el momento no tengo intención de dejarlo.

-Sin embargo, hay muchos que teniendo lindos blogs, los abandonan... ¿Hay que poseer un carácter especial para publicar todos los días como lo haces?

Es cuestión de constancia, ganas de hacer algo, disfrutar con lo que haces y, sobre todo, disponer de tiempo. 

Afortunadamente mi trabajo me permite disponer de parte del día, y me tomo en serio lo que hago. Pero desde luego lleva tiempo y esfuerzo hacer algo decente que merezca la pena.
-¿Tenemos blog para rato?
Espero poder seguir adelante con esto, ya que el mundo del arte es inagotable, y cuanta más difusión se le dé, más se abre el espectro y más posibilidades tienen los artistas de proyectarse.

Facebook

Javier Fuentes, editor de "El Hurgador"

Más obras

Pintura de Merab Gagiladze

Obra de Lu Jianjun

Obra de Hai Trinh Xuan (Hihiki)

"Venus en la catedral": Breve historia de una pintura.

Gracias a un registro fotográfico que siempre realizo en el proceso creativo, les muestro hoy las mutaciones que "sufren" algunas de mis pinturas. En este caso, "Venus en la catedral". 

¿Valieron la pena los cambios?

Comentarios vía facebook

Andres Rojo Torrealba 

Me gusta la idea de la primera.

Resistencia Realista

Tal vez, pero ya es tarde.

Andres Rojo Torrealba 

Comprendo la autocensura -también la he practicado- pero al menos queda el registro.

Resistencia Realista 

La verdad es que OFENDER muchas veces puede resultar gratuito. Más si la Diosa del Amor está en el interior de la iglesia.

Andres Rojo Torrealba 

Se entiende el fundamento.

Resistencia Realista 

La pregunta del millón es: ¿Valió la pena?

Andres Rojo Torrealba 

Y sólo la responde el autor de la obra. Pero me gustaba la primera versión

Isidro Belver 

¡¡Manchester Cathedral!!..... ¿Qué tiene en las manos la segunda????

Ana Gimenez 

Me encantan , pero me quedo con la primera..

Sergio Eduardo Ruiz 

También elijo la primera, ahora algo interesante para analizar es como cambia el recorrido visual de la primer versión a la segunda... No?

Claudia Decroce

Esplendidas!

Resistencia Realista 

Isidro, significa que arte clásico -con su gran tradición- sostiene al arte abstracto.

Lo de Sergio es una acotación interesante. La primera podrá ser más seductora, pero "el recorrido visual" en la segunda versión no tiene competencia.

¿Hay que ser valiente para auto censurarse o es todo lo contrario?

Andres Rojo Torrealba 

Yo creo que hay que ser valiente.

Sergio Eduardo Ruiz 

La primera es mas osada y mas explícita. Quiza esa transgresión es la que seduce de entrada, no a todos claro porque sabemos que depende de la subjetividad de quien la observe, el deleite o rechazo visual. Y mira vos lo de la obra abstracta que sostiene en la segunda versión yo tampoco lo había advertido, me confundía un poco el pensar que el soporte que sostiene produce transparencia... pasa que nada como ver la obra en vivo. Y si respecto al recorrido visual creo que la segunda versión no solo invita mas sino que es mas sutil y sugerente. Ahora una duda? al margen del cambio en la imagen, el tema de la obra también varió durante el proceso o se mantuvo en su totalidad?.... solo Rubén sabrá si querrá develarnos ese misterio, que ya sería solo anecdótico porque igual el resultado es grandioso.

Resistencia Realista 

Gracias Eduardo por lo de "grandioso", pero creo que se te pasó la mano. Ja!

La idea original era hacer unos vitraux eróticos pero no me salieron. Después, derivó en lo que muestra la primera versión, pero tampoco me gustó y terminé haciendo unos simples ventanales. Ahora bien, también hay erotismos en la segunda versión, sobre la cabeza de la Venus, hay una escena "bastante fuerte".

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Cautivas americanas en el arte de ayer

"Mapuche y cautiva", pintura de L. Ragers

El tema del cautiverio, y en particular de las cautivas, ha generado a lo largo de la historia diferentes manifestaciones que abarcan entre otras cosas, la narrativa, la pintura y la escultura. El rapto, la separación violenta de su círculo familiar, la obligación forzada a la práctica sexual, la incorporación a la fuerza de trabajo del grupo agresor forman parte de lo que caracteriza este fenómeno. En esta primera entrega se tratará a las mujeres cautivas por los mapuches o  ranqueles en el sur de Chile y la Pampa argentina desde el siglo XVI al XIX. En ambos casos se trata de mujeres que vivieron las consecuencias de las contradicciones entre los distintos proyectos de Estado-Nación decimonónicos y los indios mencionados, quienes luchaban contra el exterminio de sus formas ancestrales de vida que tales programas políticos representaban.

"La Cautiva", retratada en 1880 por el pintor uruguayo Juan Manuel Blanes.