Entrevista al pintor digital Gustavo Toniutti

El artista cordobés Gustavo Toniutti explica en esta nota las diferencias entre el arte digital y el analógico. Además, señala la obra de su autoría preferida y menciona el cuadro que más le impactó. Y detalla por qué decidió dibujar a la musa perfecta.

Por Camila Reveco - diario Los Andes de Mendoza, Argentina

El artista digital Gustavo Fabián Toniutti (1966) vive en la ciudad de Córdoba. Después de más de tres décadas dedicadas al oficio de dibujar, hace sólo 8 años dio un giro importante al conocer las ventajas y maravillas que ofrece el mundo digital.

Alternativas todas nuevas que permiten -a través de la tecnología- alterar tamaños, colores, perspectivas e imprimir todas las obras que se quiera y en distintas superficies o tamaños.

A Toniutti se le ocurrió inventar a una mujer que llamó Erika, “la que reina por siempre”. Erika es su  Musa inquietante, el estímulo que lo lleva a la creación y la  protagonista de toda su obra.

Ella representa el prototipo máximo de belleza:  curvas prominentes, “ojos y boca grande, labios carnosos”, como él mismo la describe.

Es una creación digital, -no existe-, o no existe al menos en ésta realidad, pero vive en la mente, en la vida interior, en los sueños más inconscientes y en el deseo infinito que tiene dentro suyo nuestra artista.

Lo cierto es que el arte digital y las nuevas tecnologías aplicadas a la estética han abierto una innumerable cantidad de debates nuevos -por ejemplo, la “pieza” única e irrepetible quedaría obsoleta-  y se discute porque lo que está aconteciendo en el terreno de lo visual es una verdadera revolución de alto impacto.

Lejos de establecer una rivalidad entre lo digital y lo “tradicional”, es necesario   destacar y distinguir la capacidad de oficio, la técnica y el talento de los que optaron por una computadora.

Como ejemplo está la obra de Toniutti que nos demuestra que el abanico de opciones que le brinda su programa de turno, sea Poser o Zbrush, resulta tan amplio e inagotable como  la paleta de cualquier pintor.

La pintura de Carlos Andrés Isola

Carlos Andrés Isola es de Neuquén, Argentina, si bien nació en Capital Federal, en 1951, creció en la ciudad de Zapala, ubicada en el centro de la provincia de Neuquén, norte de la Patagonia. Comenzó su carrera trabajando en el departamento de arte de publicidad en la localidad, continuó en Brasil, Capital Federal y en Tucumán. Trabajó posteriormente en la ilustración editorial en medios regionales y actualmente para Caras y Caretas y la revista de cultura “Nómada” de la Universidad de San Martín. 

“Me gusta mucho la obra de “Caravaggio” porque dejó de lado el manierismo para acercarse más a la “fea belleza” de lo auténtico, por decirlo de alguna manera. El mío podría clasificarse, si es que hiciere falta, como "claroscuro". Si bien mis obras tienen una base oscura, busco la claridad en los pequeños detalles en donde se posa la luz unos instantes” ,  señaló el artista, que también se destacó como ilustrador de los diarios Ámbito Financiero, La Mañana del Sur y Río Negro.

En una entrevista exclusiva para este blog, desentraña los misterios de la creación artística, siempre ligada al pueblo que lo vio crecer y que hoy defiende a través de su obra.

Huarpes cocinando piñones.

-Primero conocí su trabajo de ilustrador. ¿En qué momento "aparece" el pintor y por qué?

Creo que "el pintor" está siempre atrás de quien por fin se manifiesta como pintor. En mi caso, que comencé como ilustrador publicitario, como todos, no tuvimos otra camino  más que aprender de los grandes maestros de la pintura (realista por cierto). La composición, el equilibrio de colores, la simbología, el sentido de la belleza, etc., están presentes aún en un aviso de yogur, de automóviles o de lencería y ese mismo lenguaje es el que se enseña en las escuelas de cine. De todos modos, el pintor propiamente dicho, se manifestó en mí de modo sistemático hace unos nueve años en un momento de necesidad en el que comencé a pintar un paisaje neuquino sobre una bandeja artesanal que desató esa especie de compulsión hacia la pintura. Hoy, por razones de trabajo en el área de Comunicación de la Municipalidad de Zapala tengo poco tiempo, sin embargo es permanente aquella necesidad.

Dos preguntas a Guillermo Roux

 Entrevista del diario La Nación, de Argentina, al gran artista Guillermo Roux.
Charla íntima con el gran artista plástico que, a los 85 y después de unos años de quietud, hoy se muestra muy activo, libre, hilarante, dibujando con colores a toda orquesta.

 Ver entrevista completa

-¿Cómo ve el arte actual?

-Arte es una palabra que me fastidia mucho últimamente. ¡Está tan usada! Parece que todo es arte. En esa jungla de equívocos no sabemos a estas alturas qué es arte. Hay muchas manifestaciones más o menos ingeniosas... sorprendentes. Pero, como en todos los tiempos, hay quien tiene más o menos capacidad. La gran mayoría, y voy a usar una palabra rara, son académicos de la manera esa. La repiten. Porque la Academia no es solamente dibujar un desnudo, una fruta, una flor, sino que es repetir una imagen o un gesto sin sentido porque sabemos que ese gesto es lo que se hace. Se puede pintar una naturaleza muerta y no ser académico. Depende de quién lo haga. Esto tiene que ver con la sociedad, que engendra el fruto que le corresponde. Simboliza su sentir. Creo que hay una falta de sentido de trascendencia, que vacía las cosas de contenido. Vivimos en una sociedad de consumo que prioriza el dinero. Por eso, más valdría exhibir dinero, que sería la expresión justa de nuestro momento.

-De hecho, en el último ArteBA fueron sensación unas bolas de cristal con un millón de dólares picado adentro.

-Eso es lo que es. Por eso, a mí no me gusta la palabra arte. Prefiero llamar a lo mío trabajos.

Las chicas de calendario: el regreso

Gigi Hadid posando para Steven Meisel para el Calendario Pirelli, objeto de culto para coleccionistas.

EL NUEVO CALENDARIO PIRELLI. Gigi Hadid posando para Steven Meisel para el calendario Pirelli, objeto de culto para coleccionistas. Las fotografías han sido realizadas por el fotógrafo de moda Steven Meisel, que ha llamado a su proyecto “The Cal 2015. El regreso. Chicas de calendario”. (Steven Meisel / EFE) - See more at: http://hd.clarin.com/post/103057411679/el-nuevo-calendario-pirelli-gigi-hadid-posando#sthash.wzfYOhqO.dpufEl nuevo Calendario Pirelli. Gigi Hadid posando para Steven Meisel, objeto de culto para coleccionistas. 

 

Las fotografías han sido realizadas por el fotógrafo de moda Steven Meisel, que ha llamado a su proyecto “The Cal 2015. El regreso. Chicas de calendario”.

El famoso calendario Pirelli, objeto de culto para coleccionistas, ha apostado en su edición 2015 por las curvas de la modelo de tallas grandes Candice Huffine y por el látex como el tejido del erotismo.

Las fotografías, que fueron presentadas hace unos días, han sido realizadas por el fotógrafo de moda Steven Meisel, que ha llamado a su proyecto "The Cal 2015. El regreso". Chicas de calendario, pues tras calendarios ambientados en varios lugares paradisiacos o con un mensaje se ha pasado al puro calendario erótico de pared.

¿Por qué es tan famosa la Mona Lisa?

"Toda vida bien empleada es una larga vida"

Se ha escrito tanto sobre Leonardo y la Mona Lisa que me ha costado realizar esta entrega, promocionada con el pretencioso título de “Historia de la pintura más famosa del mundo”. Mi intención es no crear demasiadas expectativas, ya que esto no pasará de ser un esfuerzo en solitario por conocer la historia de esta pintura y las razones que la convierten en una obra de arte.
Tampoco me considero un especialista en la vida de Leonardo, apenas un admirador más de su obra. Admiración que espero no me haga perder objetividad. Se dice que el que admira nunca podrá realizar un análisis certero del objeto que admira. Está obnubilado.

Por Rubén Reveco, licenciado en Artes Plásticas

Señora Lisa, ¿quién es realmente usted?                          

Aquí reproducimos tres imágenes de la Gioconda. Obviamente que no podemos acceder al original, pero no crean ustedes que la expuesta en el museo del Louvre se ve mejor que estas. En 500 años ha perdido su color original. Si la miramos en detalles muchos sectores están resquebrajados por exceso de pintura y amarillenta por exceso de aceite. Lo que vemos ahora no es lo que vieron los contemporáneos de Leonardo, pero la esencia sigue siendo la misma: el retrato de una mujer sentada en un sillón con el brazo izquierdo apoyado en el asiento. ¡Primera sorpresa, la Mona Lisa está sentada!
Cuando Leonardo de Vinci empezó a pintarla en 1503, hacía once años de que Europa había descubierto un  Nuevo Mundo y de lo que sería la Argentina (desde donde escribo estas líneas) sólo se conocía parte de la costa Atlántica. Descubrimiento que había realizado el navegante italiano Américo Vespucio. Italiano, florentino y coetáneo de Leonardo. Prácticamente nacieron en el mismo año.
En 500 años ha salido muy poco del Louvre. En 1911 se la robaron y durante dos años estuvo desaparecida. El ladrón la mantuvo oculta en Italia y aduciendo razones nacionalistas, pretendió rescatarla para su país. En la década del 60 viajó a Estados Unidos y en 1974, a Japón. Desde esos años, la Mona Lisa no va al mundo, el mundo va a la Mona Lisa.

Otra macana de Andy Warhol

 Son dos cuadros poco conocidos que representan a Elvis Presley y Marlon Brando, y fueron parte de una subasta récord de la casa Christie's.

Por qué "macana" se preguntarán ustedes. En realidad Andy Warhol no tiene la culpa ni el mérito para que sus pinturas se vendan a ese precio. Lo he explicado en otra publicación, una pintura no debería superar al millón de dólares (lo que ya es bastante). De no ser así, el arte cae en manos de los especuladores, banqueros e inescrupulosos. Tal como sucede actualmente.
 

Pagan 150 millones de dólares por dos retratos de Andy Warhol

Dos retratos poco conocidos de Andy Warhol que representan a Elvis Presley y Marlon Brando estuvieron entre lo más destacado en una subasta de arte de la posguerra y contemporáneo que rompió récords el miércoles.

La obra "Triple Elvis" se vendió por 81,9 millones de dólares, mientras que "Four Marlons" recaudó 69,6 millones en la venta de arte de la posguerra y contemporáneo realizada el miércoles por la casa de subastas Christie's. El total subastado alcanzó 852,9 millones, la cifra más alta de la historia, informó la propia empresa. Obras de Willem de Kooning y Cy Twobly también alcanzaron precios récord para esos artistas.

"Triple Elvis" y "Four Marlons" se encuentran entre las piezas más famosas del artista. Los retratos de casi 2,1 metros habían sido adquiridos por la compañía alemana de casinos WestSpiel en la década de 1970 para uno de sus establecimientos.

El retrato de Elvis, elaborado en 1963 con tinta y pintura plateada, muestra al rompecorazones del rock vestido como vaquero, armado y disparando con la mano a la altura de la cintura. 

La serigrafía de Brando, hecha tres años después, muestra al actor montado en una motocicleta y ataviado con una chaqueta de cuero, imagen que es repetida cuatro veces.

Warhol elaboró una serie de 22 imágenes de Elvis. Su "Doble Elvis (Ferus Type)" se vendió por 37 millones en 2012 en una subasta de Sotheby's. Sólo hay otra imagen de Brando repetida cuatro veces, se encuentra en el museo de arte moderno Louisiana, de Copenhague. La casa de subastas calculaba que el cuadro que representa a Elvis y "Four Marlons" podrían venderse en unos 60 millones de dólares cada uno.

"Clamdigger", una escultura de tamaño natural creada en 1972 por Willem de Kooning, se vendió por 29,2 millones de dólares, una cifra récord para una escultura del artista. La pieza de bronce estuvo en la entrada del estudio del artista en Long Island durante aproximadamente cuatro décadas.

El artista se inspiró en los recolectores de ostras que observaba todos los días en la playa. La escultura fue puesta a la venta por las hijas de Lisa de Kooning, quien heredó la escultura de su padre a su muerte en 1997. En 2012 ella murió.

"Untitled" de Twombly, una de las más famosas de la serie "Blackboard", que hizo entre 1066 y 1971, se vendió por 69,6 millones, un récord mundial en subasta para un trabajo suyo.

Ver también:

¿Cuánto vale lo que haces?

El artista ante la sociedad y el mercado

Kim Kardashian, el arte de dar la espalda

El fotógrafo francés Jean Paul Goude recrea una de sus icónicas imágenes de disformia corporal con la estrella mediática.

FUENTE

Nunca se tituló The Champagne Incident. Hasta hoy constaba en cualquier listado artístico simplemente como Carolina, fotografía pintada a mano de una starlette aspirante a actriz (Carolina Beaumont), tomada en Nueva York, en 1976. Era otro de los trucos visuales de Jean Paul Goude, el fotógrafo francés entonces asociado al círculo warholiano y destinado a cambiar el lenguaje publicitario una década más tarde: el cuerpo de la mujer sometido a su referencial corta y pega de negativos ektachrome (película transparente, también utilizada en cine) para mostrar una fantasía morfológica, en este caso, unas nalgas capaces de servir en bandeja una copa de champán, que el espumoso llenaba disparando un arco sensacional por encima de la cabeza de la joven. El autor ha vuelto a recrear aquella imagen 38 años después para la portada de la edición invernal de la revista estadounidense Paper (a partir de este jueves en los quioscos de allí y del 19 en los de este lado del Atlántico). Y la fotografía ha hecho honor al deseo de viralidad expresado en el titular que la acompaña: “Peta Internet”. Pero solo porque el trasero en pompa en cuestión es el de Kim Kardashian.

“No podíamos pensar en otra persona mejor a la que encargarle la tarea que Kim Kardashian West. Una fascinación de la cultura pop capaz de generar titulares con solo salir de casa. Kim es la que hace que la Red mole”, expone la publicación neoyorquina en su página web como reclamo del número de marras. Adelantadas esta madrugada a través de todos los medios digitales posibles, las imágenes han dado varias vueltas por la autopista de la información en apenas 12 horas, creando la esperada controversia. Su protagonista tampoco ha tardado en pronunciarse: “Y luego dicen que no tengo talento alguno… Intenten mantener en equilibrio una copa de champán con el culo”, tuiteaba con humor la estrella mediática esta mañana.

Resistencia Realista México

Nuestro buen amigo Er Sol (contacto de facebook) se ha despachado esta magnífica colección de pintura realista que hoy compartimos con ustedes. Reproducimos algunas, las más lindas para nosotros. Obvio, siempre la belleza femenina como pretecto.

Resistencia Realista México

¡Ahora lo entiendo!: Heladera de Graciela Sacco

La obra es una heladera de principios del siglo pasado intervenida con una heliografía, fue realizada en 1994, y hace alusión al enfriamiento de las relaciones sexuales que produjo la epidemia del SIDA  en los años 80 y 90.

Los que amamos a las artes plásticas y nos pasamos la vida denunciando a los impostores, también experimentamos nuestros momentos de epifanía* (como suele decir un colega). El 29 de octubre en el MNBA, de Neuquén, he vivido mi propia revelación, la que espero me permita ser más tolerante, en especial con las personas que yo considero que no tienen talento pero igual quieren vivir el siempre glamuroso mundo del arte.


Por Rubén Reveco, licenciado en Artes Plásticas

Donde no hay emoción, todo es posible 


Si hay algo destacable de los artistas llamados contemporáneos es el total desapego por la admiración que pueda o no causar la obra. Ahora que se vive en la era del "me gusta", llama profundamente la atención que estas personas presenten objetos como si fuera arte y que en la mayoría -expertos o simples espectadores- no aparezca ni un atisbo de emoción.
La emoción -que es una reacción involuntaria ante la contemplación de una obra de arte- genera a la vez admiración. Una especie de retribución del espectador hacia el artista; con la admiración se agradece ese momento vivido ante el objeto que tanta emoción (y lágrimas) ha provocado.

Es para llorar

Obvio, se puede llorar de emoción, tristeza, indignación o impotencia. Llorar cuando la mediocridad se convierte en virtud ("Lo mismo un burro que un gran profesor"), llorar cuando despojan al arte de todo valor estético  e indignación cuando las empresas y las instituciones dilapidan los recursos privados o públicos.

La generosa empresa petrolera no entiende nada arte, pero es bueno para hacer lobby o usarlo como una clase de activo, como las acciones y los bonos. Los funcionarios como una estrategia para permanecer en el establishment (hay que apoyar a los rebeldes porque el arte es rebeldía). Y los artistas para demostrar que para serlo no es necesario tener talento. Basta con estar atento y no dejar pasar la oportunidad. Dicho con total frialdad (heladera), sin emoción alguna (arte contemporáneo).

Pobre de mí, recién lo vengo a comprender.

 Marcelo Gómez, de Petrobras, Oscar Smoljan, director del MNBA Neuquén, y la artista Graciela Sacco.

(*)  La Epifanía es un acontecimiento religioso. Para muchas culturas las 

epifanías corresponden a revelaciones o apariciones en donde los profetas, chamanes,
 médicos, brujos u oráculos interpretaban visiones más allá de este mundo.

Es también una fiesta cristiana en la que Jesús toma una presencia 

humana en la tierra, es decir Jesús se "da a conocer".