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lunes, 18 de mayo de 2020

¿Romantizando el voyeurismo y la cosificación sexual de los niños?, "Teresa soñando", la obra más polémica de Balthus

"Teresa durmiendo" (1938), Balthus. Óleo sobre lienzo (149.9 x 129.5 cm) en MET


Hijo de expatriados polacos, Balthasar Klossowski, Balthus, creció en un ambiente privilegiado, con padres intelectuales que formaban parte de la élite cultural parisina. Solo por citar un ejemplo, el escritor francés Jean Cocteau se inspiró en él y en su hermano filósofo Pierre Klossowski, futuro filósofo, para escribir Los infantes terribles.

Tras la separación de sus padres, se mudó a Génova con su madre, quien entonces comenzó un romance con el poeta austriaco Rainer Maria Rilke, con quien a pesar de tener una relación conflictiva lo apoyó y publicó sus dibujos en uno de sus libros.
Comenzaba así la carrera del artista nacido en 1908 y que, a pesar de haber sido una figura pública, de haberse rodeado de otros grandes artistas como André Breton, Pablo Picasso, Man Ray, Antonin Artaud, Joan Miró, Alberto Giacometti y Albert Camus, mantuvo siempre su vida privada en secretismo.
Teresa soñando (Thérèse rêvant) es una de sus famosas -y polémicas- obras de los años 30, en los que retrató a niñas en extrañas poses, que nunca sonríen y que aparecen acompañadas de gatos lamiendo leche.
La obra volvió a cobrar notoriedad hace tres años, cuando 12 mil personas firmaron una petitorio para que fuera retirado de las colecciones del Metropolitan de Nueva York, situación que finalmente no sucedió.
La modelo fue Thérèse Blanchard, de 11 años, vecina del artista, quien aparece en muchas otras pinturas del francés nacionalizado polaco. Allí, ella posa en una postura algo incómoda, levantando la pierna y enseñando su ropa interior.
En su trabajo, Balthus no tomó la estética de la vanguardia cubista, sino que eligió el realismo surrealista, más cercano a Dalí, donde desarollaba deseos, sueños o cuestiones psicológicas a partir de figuras reconocibles.
En el pedido al MET, alegaban que el cuadro “es una imagen perturbadora, sexualizada e inapropiada, al retratar una joven de 12 o 13 años en una pose sugerente que hace visible su ropa interior”. La creadora de la petición, Mia Merrill, explicaba entonces que “dado el clima actual en cuanto al acoso sexual, el museo está romantizando el voyeurismo y la cosificación sexual de los niños”.
Este no fue el primer escándalo referido a una de sus obras, en su primera exposición en París La lección de guitarra (1934) generó una gran controversia debido a sus sadismo sexualmente explícito.
Para Balthus no había nada oscuro ni sexualizado en sus cuadros. Para él las niñas que pintaba eran “seres puros, y su inocente impudor es propio de la infancia. Lo morboso se encuentra en otro lado”. (Fuente: Infobae)

"La lección de guitarra". Balthus. 1934

viernes, 10 de abril de 2020

Lo mejor de Georges de la Tour, el pintor de la velas




Si hay un episodio controversial en el Nuevo Testamento es el de la concepción de Jesús. Para el creyente no existe problema alguno porque es un asunto de fe.

¿Acaso no le pareció raro a San José que María se quedara embarazada cuando nunca había intimado con ella? Pues no, porque había sido visitado en sueños por un ángel que le explicó todo: el Espíritu Santo, en forma de paloma, había engendrado al futuro mesías en el vientre de María, que seguía siendo virgen.
El caso es que José se hizo cargo del futuro bebé Jesús y gracias a este buen señor, Jesús pudo formar parte de la estirpe de David, como prometían las profecías, ya que José era descendiente de David. Además así pudo salvar el pescuezo a su esposa, ya que el adulterio implicaba que la pobre fuese apedreada según lo dispuesto en la Torá.
En cualquier caso este santo despertó las simpatías de toda clase de gente, desde padres de familia (putativo o no) a obreros, que lo consideraron su patrono.
Georges de la Tour también sintió alguna conexión con el santo y lo representa recibiendo las noticias exactamente que como se cuenta en la Biblia: mientras dormía. El ángel lo visita en sueños y le cuenta la extraña noticia. Un ángel, por cierto, bastante no-ángel, sin alitas murillescas, ricitos querubínicos, ni florituras empalagosas.
Por supuesto, en toda obra de este barroco francés no puede faltar una fuente de luz, en la mayoría de los casos una vela, que aquí el maestro tiene la audacia de tapar completamente, para que paradójicamente reciba todavía más protagonismo.


lunes, 17 de febrero de 2020

La Mona Lisa: La reina del pop



Desde hace 200 años, más o menos, es muy popular, pero en este siglo XXI las imágenes inspiradas en la Mona Lisa han eclosionado de una manera incontrolable. Nada se puede comparar a este ícono de la cultura popular. Esta pequeña pintura creada por el genio de Leonardo de Vince hace 500 años es cada día más reproducida, reinterpretada, reinventada, sin que muchos sepan muy bien a qué obedece este fenómeno de la cultura pop. Algunos ejemplos en esta publicación.

Por Rubén Reveco
Licenciado en Artes Plásticas

Sus primeros 300 años fueron tranquilos. La pintura es propiedad de Francia porque Leonardo pasó sus últimos años de vida en ese país y porque nunca la entregó a sus dueños. Dicen que Lisa Gherardini no quedó conforme con el trabajo. Antes de morir, Leonardo se la vendió a Francisco I y desde entonces integró la colección real conservándose en varios palacios reales (Fontainebleu, Versalles y el Louvre).
Napoleón Bonaparte fue un admirador del artista y apreciaba particularmente a “Madame Lisa”, como la llamaba. Tanto, que a comienzos del siglo XIX la hizo trasladar hasta sus aposentos. No nos imaginamos cuál podría haber sido el “diálogo” entre el guerrero, con infulas de emperador, y la mujer que lo miraba y sonreía.

miércoles, 22 de enero de 2020

La pintura romántica y clásica y las protestas en Chile


Una curiosa amalgama artística se ha dado en las protestas en Chile desde el 18 de octubre de 2019. Lo clásico y lo romántico marchan en un solo frente.


Por Rubén Reveco
Licenciado en Artes Plásticas

El arte en todas sus variantes ha estado presente en Chile en estos tres últimos meses de furiosas protestas. La creatividad de los artistas se ha expresado a través de la danza, la música, el teatro, el video, la pintura, el dibujo, la performance... Es así como han resurgido algunas canciones como el "Derecho de vivir en paz", del asesinado Víctor Jara, o "El baile de los que sobran" de los Prisioneros, un trío roquero de los ´80.
Sin embargo este revival ha tenido a una invitada muy poco imaginada: la pintura neoclásica del siglo XIXEs así como ángeles, musas, cupidos, cristos y formas alegóricas han ido empapelado los muros del centro de Santiago, la capital de Chile. 
Compite con las representaciones de pinturas y esculturas neoclásicas la "Libertad guiando el pueblo" del pintor romántico Eugenio Delacroix. Si bien esta famosa obra (1830) se entiende y no desentona en un contexto de rebeldía, no sucede los mismo con la temática neoclásica, tan proclive a la Academia y por lo tanto al sistema de tradiciones conservadoras.
Aun así, reconozco que le confiere a todas las movilizaciones  un sentimiento casi de ternura, donde mitos antiguos conviven con nuevos. Y como reza un slogan: "El Sistema nos oprime, las artes humanizan. 


martes, 31 de diciembre de 2019

La escultura de Willy Verginer


Este es un escultor italiano que trabaja principalmente en madera. Se encarga de recrear situaciones de la vida cotidiana algo salidas de contexto con unos acabados totalmente impresionantes.

Su trabajo incluye personas y animales los cuales son tallados hasta con el último detalle, las texturas, las arrugas, la piel y los pliegues de la ropa son perfectamente hechas con una total dedicación.






Su obra es impecable y además cabe resaltar la forma en que utiliza parcialmente el color que le otorga cierta identidad artista. La madera y el color resultan una mezcla perfecta a la hora de darle un toque surrealista a la obra caracterizada por las amplias zonas de pigmento que replantean el realismo en las esculturas. Esta utilización del color hace que la obra se enfoque en una especie de desequilibrio entre la figura humana y el color que en forma contradictoria resultan en una armonía única.

viernes, 11 de octubre de 2019

Mujeres, historia, pintura e instrumentos

Stephen Gjertson

La mujer ha sido la principal fuente de información y transmisión de la tradición oral musical desde los tiempos más antiguos. Pero también desde la antigüedad se tienen noticias de mujeres intérpretes que componen sus danzas y cantan.

La música como liberación femenina en el Renacimiento y el Barroco


Aunque la música ha formado parte de la condición humana desde los tiempos del hombre primitivo, y así se constata en algunas pinturas rupestres, y se reconoce a la mujer, mayoritariamente, como la transmisora oral por excelencia de la música y las canciones, no sería hasta los siglos XVI al XVIII que la enseñanza de la música supondría una ayuda para la mujer, independientemente de su condición social.
A las chicas de familias humildes que tuvieran cierta disposición para la música y la danza les servía para que pudieran labrarse un futuro. Además, en España hay constancia de que en algunos hospitales y los centros de beneficencia se enseñaban los principios de canto llano y canto de órgano con lo que muchas muchachas pobres o huérfanas podían tener la oportunidad de ejercer de maestras de música en conventos, y tener su correspondiente sueldo, o convertirse en cantantes y actrices ambulantes. 
Las mujeres de las clases altas también recibían educación musical para un buen matrimonio. Además, muchas de estas mujeres de la nobleza y la alta burguesía contribuyeron en esta época a la divulgación de la música, e influyendo en los gustos musicales de su entorno, mediante las tertulias musicales que organizaban en sus casas.

viernes, 6 de septiembre de 2019

Las torres de Pieter Brueghel

La Torre de Babel (1563) - Panel de aceite en roble, 114 x 155 cm. - Museo Kunsthistorisches, Viena
Brueghel ha colocado el sitio de construcción en un paisaje costero; el holandeses adquirió una proporción considerable de su riqueza de las actividades marítimas. La Torre también está situada cerca de un río, ya que estaba a lo largo de las vías navegables, y no a través de las carreteras de los países sin pavimentar, que los bienes a granel fueron transportados en esos días.

La Torre de Babel, la Creación de Adán y Eva, el Diluvio Universal y la destrucción de Sodoma son las cuatro leyendas más populares que relata el libro del Génesis. Todas recreadas muchas veces por los pintores durante 2000 años.
Existen muchas Torres de Babel, pero ninguna como la de Pieter Brueghel, el Viejo, actualmente localizada en el museo de historia del arte Kunsthistorisches, en Viena, Austria. Se trata de un óleo sobre madera de roble con unas dimensiones de 114 centímetros de alto y 154 de ancho. Fue ejecutada en 1563.

Su tema es la construcción de la torre de Babel, que, según la Biblia, fue una torre construida por la humanidad para alcanzar el cielo. Según el Génesis, Yahvé confundió la lengua de los hombres, lo que los llevó a dejar la torre inacabada y a que se marcharan en todas direcciones.​
Es un tema que ya había sido tratado con anterioridad, desde los libros iluminados del siglo VI. Se retoma en el siglo XVI como símbolo del orgullo humano,​ advirtiendo de sus peligros, así como del fracaso de la racionalidad clásica frente a lo divino.
El centro del cuadro lo domina la torre a medio construir, dentro de un amplio paisaje panorámico. El pintor adopta un punto de vista muy alto. En la parte superior de la torre, la presencia de una nube simboliza la pretensión de que querían alcanzar con ella el cielo.
La descripción de la arquitectura de la torre por Brueghel, con sus numerosos arcos y otros ejemplos de ingeniería romana, hace pensar de manera deliberada en el Coliseo,​ que representaba para los cristianos de la época el símbolo de la desmesura y de la persecución. De la arquitectura de la Antigua Roma parece también provenir la mampostería de ladrillo, recubierta en el exterior por muros de sillería.
Es interesante constatar que la pintura de Brueghel parece atribuir el fracaso de la construcción a problemas de ingeniería estructural más que a diferencias lingüísticas de origen divino. Aunque a primera vista la torre parece constituida por una serie de cilindros concéntricos, un examen más atento demuestra la evidencia de que algún piso no reposa sobre una verdadera horizontal; la torre está más bien construida como una espiral ascendente. Los arcos son, sin embargo, construidos perpendicularmente al suelo inclinado, lo que los hace inestables; algunos ya se aplastaron. Más inquietante puede ser el hecho de que los cimientos y los pisos inferiores de la torre aún no están acabados, mientras que las capas superiores ya están construidas.
La torres de Brueghel han marcado similitudes con el coliseo y otros monumentos romanos, que el artista habría visto durante su estancia en Italia diez años antes. El paralelo de Roma y Babilonia tuvo una importancia particular para los contemporáneos de Brueghel. Roma fue la ciudad eterna, destinada a durar para siempre, y su decadencia y ruina fueron tomadas para simbolizar la vanidad y la fugacidad de los esfuerzos terrenales.
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